“Lucio y yo”, escrita y dirigida por José María Muscari.

 

“Lucio y yo”, escrita y dirigida por José María Muscari.

por Alberto Maffía

            Mi primer Muscari fue en el 2004. “Catch” en el teatro Empire – el espectáculo más incómodo y vanguardista que me tocó presenciar en la vida. De esa gran provocación teatral mutó a la maravillosa (¡MA-RA-VI-LLO-SA!) “Electra Shock” del 2005. Ya han pasado siglos y muchas puestas más desde esas primeras veces de mi inmersión en el Mundo Muscari, el hombre que supo ser un enfant terrible y al día de hoy es un padrazo, tanto en la vida como en escena.

            “Lucio y yo” es una biopic que narra las vivencias de un hijo y un padre eligiéndose, conociéndose y amándose diariamente. Muy lejos de romantizar la historia y caer en la tentación de elaborar un meloso capítulo de La familia Ingalls Argenta, Muscari desnuda angustias, temores y límites, al tiempo que también nos enseña que cuando el partido se juega en cancha del amor, una discusión - por más que sea a los gritos - es apenas una ínfima parte de un campeonato que ya se ganó por el simple hecho de estar juntos (Muscari no es meloso, yo sí).

            Recuperando su espíritu del under, la puesta tiene una estructura que se aleja de lo convencional. Monólogos, apelaciones al público, actores como personajes, actores como actores, escenas de estructura clásica, historias de Instagram, audios de Whatsapp y PNTs varios. Mientras los Lucio y José reales se presentan en pantallas y parlantes, los de ficción llevan adelante la obra en un vivo impecable. Toda la puesta, los recursos y actuaciones amalgaman perfectamente en un espectáculo que es una delicia.

            Esteban Pérez es Muscari y Máximo Meyer es Lucio; grandes composiciones en personajes que no son copia sino encarnadura real, convincente y emotiva. A Pérez le toca el desafío de plasmar todas las dudas, certezas y miedos de este complejo padre-director-dramaturgo, y a Meyer el de representar toda la espontaneidad y libertad de un adolescente que también ha atravesado una niñez dolorosa. La química entre ambos actores es perfecta. No hay lágrimas entre ellos, aunque sí frases que pueden emocionar al espectador. Y sí hay mucha risa, porque en definitiva esta obra no deja de ser la historia de una fiesta, donde un hijo y su papá festejan todos los días la alegría de haberse encontrado.

            Y PostData... ¡Dale José, dejale tener un gato al pibe!

En Centro Cultural de la Cooperación (Avenida Corrientes 1543 – CABA) – Viernes y sábados 21:30 hs.

  

Duración: 70`

 

FICHA ARTÍSTICA

Actúan

Esteban Pérez – Máximo Meyer

Producción

Paola Luttini

Libro y Dirección

José María Muscari

 

Prensa

VARAS OTERO

 

 

Alberto Maffía

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“Sweeney Todd””, de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler. Dir. Marcelo Rosa

 

“Sweeney Todd””, de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler. Dir. Marcelo Rosa

por Alberto Maffía

            Cuando nadie se animaba a poner a un fantasma cantando ópera… Cuando ni se pensaba en Jean Valjean entonando el número 24601 en un registro barítono o en una joven vietnamita sopraneando “The Movie in My Mind” desde Saigón… Cuando todo esto eran ideas, sueños y proyectos... Él ya estaba. “Sweeney Todd” es la piedra angular del dramón musical contemporáneo y mayormente conocida por su versión fílmica de 2008. Señoras y señores, llegó el momento de verla en su puesta original en vivo.

            Estrenada en Broadway en marzo de 1979 con Angela Landsbury en el elenco y convirtiéndose en un suceso instantáneo, al año siguiente llega al West End y repite el éxito. Nosotros la tuvimos por primera vez en el Maipo en 2010 con los protagónicos de Julio Chávez, Karina K y Fer Dente y ahora se luce en el escenario del renovado Teatro Santa María en una talentosa y conmovedora versión.

            Emmanuel Degracia, quien tiene muchísimo zapato gastado y nota entonada en los más diversos musicales del teatro off y comercial, encuentra en este protagónico un papel perfecto; su trabajo muestra gran intensidad dramática con matices muy diferenciados que van desde el amante solitario, el padre afligido o el asesino impiadoso en busca de venganza, al tiempo que luce una virtuosa destreza vocal.

            El resto del elenco acompaña con igual eficacia y talento. Anabella Boron es una Mrs. Lovett impecable, Tomás Vila es el héroe romántico ideal en melancolía y voz, Nacho Battilana aporta humor y dolor, y Agustín Iannone suma el lujo de siempre en otra de sus trabajadísimas composiciones.

            La obra se presenta en su duración completa (por suerte) y se pasa rapidísimo disfrutándose de punta a punta gracias a la dinámica puesta de su director Marcelo Rosa. Mención aparte merece el trabajo épico de César Tello en la dirección musical y coral. “Sweeney Todd” no es sólo una historia cautivante; también es, por sobre todo, una partitura maravillosa rayana con la perfección de Stephen Sondheim. Así de bella, así de complicada y perfectamente resuelta. Todo el elenco – absolutamente todo – demuestra un virtuosismo absoluto en lo vocal. Se disfruta a los protagonistas en sus arias, se disfruta al ensamble en sus frases. Cada fragmento musical es una perla.

            “Sweenwey Todd” es una potente delicadeza musical. Imperdible para los amantes del género.

              En Teatro Santa María (Montevideo 842 – CABA) – Sábados y domingos.

 

Duración: 150´. c/intervalo

 

FICHA ARTÍSTICA

Música y Letra

Stephen Sondheim

Libro

Hugh Wheeler

Elenco

Emmanuel Degracia – Anabella Boron – Tomas Vila – Lucila Louzán – Alfredo Alesandro – Mario Angelomé – Agustín Iannone – Nacho Battilana – Aaimará Vazquez

Marián Lorena – Chiara Rodó – José Fiz – Luli Ingold – Hernán Cáceres – Camila Schualle – Santiago Sastre

Dirección Coreográfica

Pamela Peker

Dirección Musical y Coral

Cesar Tello

Producción Ejecutiva

Esteban Merdeni

Producción General

VELKA Producciones

Dirección

Marcelo Rosa

 

PRENSA

Kevin Melgar

 

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“Misery”, de William Goldman - basada en la novela de Stephen King. Dir. Manuel González Gil

 

“Misery”, de William Goldman - basada en la novela de Stephen King. Dir. Manuel González Gil

por Alberto Maffía

            Como Fan Nº1 de Stephen King en Argentina (absolutamente todos sus libros están en mi biblioteca), debo confesar que la nueva puesta de “Misery” me sorprendió. Mientras la veía no entendía, ¿por qué esa historia que conocía como la palma de mi mano me estaba tomando por sorpresa con sus vericuetos psiquiátricos y sus crueldades? Si estuve en el estreno de la puesta del 99 con Alicia Bruzzo y Rodolfo Bebán… ¿por qué sentía que la estaba viendo por primera vez? He aquí la respuesta… La novela homónima es de 1987 y la película por la cual Kathy Bates ganó el Oscar a Mejor Actriz, de 1990. En 1992, el dramaturgo británico Simon Moore adapta el original de King y lo estrena en Londres con los protagónicos de Sharon Gless y Bill Paterson. Esa es la versión que se ve en Argentina en 1999 con la dupla Bruzzo-Bebán, también dirigidos por Manuel González Gil y también en el Metropolitan 2. Pero hete aquí que William Goldman, guionista de la peli y gran conocedor de la trama, decide hacer su propia versión allá por 2015, en Broadway y con Bruce Willis y Laurie Metcalf en los papeles estelares. Esa es la versión que acaba de estrenarse, la 2.0., la que nunca se vio por estos lares. Misma demencia y misma historia, pero más dinámica y con un juego de gato y ratón mucho más potente y refinado pero sin huir del gore.

            El escritor de best-sellers Paul Sheldon tiene un accidente automovilístico que lo deja al borde de la muerte. La enfermera Annie Wilkes lo rescata y lleva a su casa para atenderlo y curarlo. Ahora están en una cabaña alejada de todo y en medio de una tormenta de nieve que corta cualquier vínculo con el exterior. En el momento menos pensado, se desata la locura.

            Julia Calvo compone una estupenda  Annie; querible por unos diez-quince minutos…y luego es puro terror. Muy buen trabajo de Juan Gil Navarro como el escritor; su dolor corporal, su miedo y su instinto de supervivencia – así como también su enorme ego de autor consagrado - está todo intensamente jugado.

            Buen trabajo de Manuel González Gil en dirección; acertados juegos de luces para sugerir y asustar, buen manejo del recurso onírico y del duelo actoral.

              En Teatro Metropolitan (Avenida Corrientes 1343 – CABA) – Jueves a domingos

 

Duración: 75´.

 

FICHA ARTÍSTICA

Libro

William Goldman

Basado en la novela de Stephen King

Actúan

Julia Calvo – Juan Gil Navarro

Prensa

Agencia Coral

Producción General

Circus Entertainment Group

Dirección

Manuel González Gil

 

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“Adán y Eva, un amor de aquellos”, de Patricia Palmer. Dir. Diego Ramos.

 

“Adán y Eva, un amor de aquellos”, de Patricia Palmer. Dir. Diego Ramos.

por Alberto Maffía

            Vayamos par partes. La génesis de esta obra teatral es, por supuesto, la Biblia. En aquel insigne texto nos es presentada la historia de la primigenia pareja siendo expulsada del Jardín del Edén por pecadora. Allí su autor, el mismísimo Dios, nos aterra - como siempre lo hace - con su espeluznante pluma (la manía que tiene este Hombre de matar a los protagonistas en sus obras es alarmante). En 1906 Mark Twain, un narrador americano un poquito más copado, escribe una prosa encantadora sobre el lado más humano del amor, con los mismos personajes y en formato de diario íntimo, naciendo así “El diario de Adán y Eva, de Mark Twain”. La primera versión teatral del mismo se remonta al Broadway del año 1966 y el primer acto del musical “The Apple Tree/The Diary of Adam and Eve”, protagonizado por Alan Alda y Bárbara Harris. Hete aquí que la ve China Zorrilla y con el tiempo compra los derechos y la estrena en nuestras salas en 1982 junto a Carlos Perciavalle como  Adán. A partir de este puntapié rioplatense, empiezan a surgir otras duplas para replicar esta fábula que tiene muchísimo más amor y humor del que nos contaron la primera vez en el Inicio de Todos los Tiempos.

            Esta versión no musical recurre a la estructura del relato enmarcado, brindándonos así la posibilidad de disfrutar tanto de la pluma de Twain como de la de Palmer. Del primero tenemos a los originales dialogando a través de monólogos sobre la Creación y otros asuntos, al tiempo que la segunda nos sorprende con la historia de Mario y Mariela, una pareja divorciada, con décadas de matrimonio e hijos y nietos en común. Por puro – o no tan puro - azar, los ex deben reunirse para ensayar e interpretar “El Diario” en un acto escolar. Del clásico americano disfrutamos una prosa exquisita y su sutil análisis sobre el amor y la convivencia, mientras que Palmer nos arrasa con sentimientos a flor de piel y el corazón en la mano. Y ambos nos estallan de risa.

            La dupla Mario Pasik – Patricia Palmer funciona muy bien, tanto para el romance como para el drama. Él compone un galán que seduce y sonríe todo el tiempo aunque su ex se las haga pasar fatal; no tiene ni un pelo fuera de lugar, todo es ego e imagen, aunque la nostalgia lo abrace y le haga doler. Ella es sanguínea, apasionada y frontal; se ve fuerte pero se adivina su fragilidad. Mucho se dicen y mucho sienten; son una dupla deliciosa.

            La dirección de Diego Ramos es efectiva, maneja con precisión las claves de la emoción, el humor y el ritmo. Exquisita selección de temas clásicos para la música incidental.

En Teatro Picadilly (Avenida Corrientes 1524 – CABA), jueves y viernes a las 20.00 hs.

 

Duración: 75´.

 

FICHA ARTÍSTICA

Libro

Patricia Palmer

Actúan

Patricia Palmer – Mario Pasik

Producción

Chino Carreras

Dirección

Diego Ramos

 

Prensa

Hugo Castro Prensa

 

 

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“Cena con amigos”, de Donald Margulies. Dir. Maru Lamarca – Mela Lenoir

 

“Cena con amigos”, de Donald Margulies. Dir. Maru Lamarca – Mela Lenoir.

por Alberto Maffía

            Vamos con algunas obviedades - no es mi intención hacerme el filósofo por el par de perogrulladas que voy a evocar pero es necesario plantearlas para argumentar el punto de vista: las rupturas de pareja no sólo terminan la relación de los emparejados sino que a la vez modifican el entorno con el que también se establecieron lazos colaterales. Todos extrañamos a la ex de un primo o aborrecemos al tontito que fuera novio de nuestra amiga del secundario. Pero existe también otro vínculo que se evoca poco y se modifica mucho; el de La Pareja al Cubo. Una Pareja2 funcionaría como dos parejas que van compartiendo la vida durante años: seguramente sus miembros se presentaron entre ellos en algún casamiento o fiesta similar, son padrinos y madrinas recíprocos de sus hijos, tienen un ritual semanal o mensual de cena en casa de la pareja que mejor cocine – obligando al recibido a llevar un vino carísimo o algo dulce para después con nombre modernoso - y, claro está, veranean juntos y planean un épico viaje a Disney cuando los chicos sean más grandes porque si van de muy pequeños cuando crezcan no se van a acordar de nada. Ahora, ¿qué sucede entonces cuando una de esas dos parejas termina?, ¿cómo actuar cuando el espejo de nuestro “otro nosotros” se rompe?, ¿cómo evitar plantearse que tal vez podríamos ser los próximos? “Cena con amigos”, la obra de Donald Margulies ganadora del Premio Pullitzer de Drama en 2000, explora esta orfandad afectiva post ruptura-del-otro de una manera muy honesta, realista y cargada de humor.

            La trama es simple y las relaciones complicadas. Se da el evento que adelanta el título pero uno de los cuatro integrantes de la Pareja2 no asiste porque está de viaje. El devenir de la cena se torna tenso a pesar de lo que reman los anfitriones y antes del postre llega una noticia que nadie esperaba.

            El texto de Margulies es de una maestría absoluta. Estructurado en algo más de media docena de escenas bien desarrolladas, algunos personajes desnudan completamente su alma desde el vamos y de una manera muy atractiva, tanto en lo verbal como en lo físico (fuerte cachetazo incluido / de los mejores que he visto en teatro), al tiempo que otros van muy sutilmente mostrando sus sentimientos en cuentagotas hasta la catarsis total. Otro punto a destacar es el inmenso sentido del humor de la dramaturgia. Humor real, bien pensado, lejos del chiste cliché y más basado en situaciones que de tan reales y cotidianas son graciosas. Las risas son miles.

            El cuarteto protagónico es exquisito; sensible en el dolor, genuino en los miedos y el desconcierto, y con un timming perfecto para la comedia. En sus composiciones, y más allá de la situación dramática, consiguen transformar un gesto, una mirada, un tono o una frase corta en un gag del que es imposible escapar; la empatía con el público y las cuestiones maritales es total.

            Maru Lamarca y Mela Lenoir como directoras hacen magia; las actuaciones están muy bien trabajadas, el ritmo de la puesta es perfecto, logran conmover al público y también hacerlo reír.

En Teatro Border (Godoy Cruz 1838 – CABA), los viernes a las 20.00 hs.

 

Duración: 75´.

 

FICHA ARTÍSTICA

Libro

Donald Margulies

Actúan

Carolina Babich – Juan Denari – Bruno Pedicone – Sofía Roviralta

Dirección

Maru Lamarca – Mela Lenoir

 

Prensa

Agencia DucheZarate

 

 

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“Cuando dejé de volar”, escrita y dirigida por Pablo Gorlero.

 

“Cuando dejé de volar”, escrita y dirigida por Pablo Gorlero.

En Centro Cultural de la Cooperación (Avenida Corrientes 1543 – CABA) – Sábados 18:00 hs.

por Alberto Maffía

En cuanto el protagonista entró en escena y dijo “Pensé que esta habitación era más grande”, un baldazo de agua emocional me empapó de pies a cabeza. La pieza mostraba a un hombre llegando al que obviamente había sido su cuarto infantil y, a juzgar por esta primera y gloriosa frase (qué importante es el primer texto y qué bien aprovechado está en esta ocasión), nos damos cuenta que el treintañero hace más de una década que no pisa el refugio lúdico de su niñez y que lo extraña más de lo que cree. En ese preciso instante, como espectador, la empatía se te instala; la historia de Jerónimo es la de todos… la de ese adulto que creyó equivocadamente que para crecer había que olvidar el ayer.

El texto de Pablo Gorlero es de belleza poética pura; pasa de juego en juego y de verdad en verdad de manera natural y orgánica. Nada es forzado ni propagandeado, no hay golpes bajos ni grandilocuencias artificiales de sabiduría rígida; la ternura y las ganas de volar sólo se dejan fluir, algo tan simple como eso.

La anécdota es chiquita; Jerónimo, un +30 , vuelve a la casa familiar ya vacía para preparar su venta. La nostalgia lo envuelve y la metódica aparición de sus viejos amigos Francisco, Darío y Roger, sumadas a la llegada de un niño muy particular, lo encaminan directamente a enfrentar el espejo de su presente dentro del reaparecido marco de su niñez.

Jerónimo Dodds consigue conmover con su cambio de matices entre el adulto en crisis y el que quiere volar y jugar sin pedir permiso. Teo Rotenberg Hirsch es una pequeña tromba de energía que llena de color el escenario. El “Darío” de Mariano Agustín Botindari es hilarante y mágico.

Amorosas y sentidas canciones, coreografías con todos los detalles lúdicos necesarios para contar esta historia de juegos, y una acertadísima escenografía de colores cálidos y llenos de vida con una perspectiva que abraza a los actores y al público, suman puros aciertos a la puesta.

“Cuando dejé de volar” es un hermoso espectáculo para compartir con chicos, con grandes o para ir solo, lo importante es que no te lo pierdas. Para volver a hablar con Dragones… no sé si te acordás lo bien que te hacía.

 

 

Duración: 65`

 

FICHA ARTÍSTICA

Actúan

Jerónimo Doods

Gonzalo Aguirre – Teo Rotenberg Hirsch – Mariano Agustín Botindari – Diego Ferrari

Producción general

Ariel Ciocco

Libro y Dirección

Pablo Gorlero

 

Prensa

BMZ Comunicaciones

 

 

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“Sólo los escorpiones sobreviven”, texto y dirección de Matías Asenjo y María Arratibel.

 

“Sólo los escorpiones sobreviven”, texto y dirección de Matías Asenjo y María Arratibel.

En Espacio Mahas (Cnel. Antonio Susini 2280 – CABA) – Sábados 21.00 hs.

por Alberto Maffía

 

            “¿Alcanza el amor?” La pregunta es retórica; cualquier persona que la formule ya sabe de antemano cuál será la respuesta… propia, no universal sino absolutamente individual. Sobre la entrecomillada premisa, Matías Asenjo y María Arratibel construyen una propuesta hermosa y experimental; por un lado plantean escenas de estructura narrativa clásica y, por el otro, rompen la cuarta pared un sinnúmero de ocasiones cuando el fluir de la historia así lo necesita. El lenguaje presenta una rica mixtura que puede ser realista a la hora del amor y la cotidianeidad, soez en la intimidad, poética de luces y sombras, y simbólica en la opresión y la asfixia. De todas maneras, la poesía siempre gana y lleva la batuta.

            Los protagonistas están en sincronía  y química perfecta – factor imprescindible para contar esta fábula -, y en empatía constante con el público gracias al acertado marco inmersivo de la puesta.

            “Sólo los escorpiones sobreviven” abre muchísimos frentes e interrogantes; obra ideal para ver y después analizar en pareja, o con amigos, o tal vez para llegar a casa, servirse una copa de malbec, sentarse solo frente al televisor apagado y pensarla un poco.

 

Duración: 60´.

Alberto Maffía

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