“Sandro, el gran show”. Dir. Ana Sans y Julio Panno

                      “Sandro, el gran show”. Dir. Ana Sans y Julio Panno

En Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1120  – CABA) – de jueves a domingos.

por Alberto Maffía

Los homenajes agotan. Tomar a alguien que cante con un color de voz parecido al del homenajeado, vestirlo igual, ponerle alguna peluca y maquillarlo hasta que las facciones queden más o menos parecidas no es suficiente. Copiar no alcanza; imposible llegar a la composición armando sólo el afuera… Por suerte el planteo de “Sandro, el gran show” deja de lado los viejos clichés de calcos estéticos y nos sumerge en la esencia del ídolo y sus seguidoras; sus creadores, Ana Sans y Julio Panno, entendieron todo bien.

La anécdota es pequeña pero muy sentida: Alan es seleccionado para interpretar al Gitano en un espectáculo pero, si bien se advierte todo su potencial para llegar a ser un volcán, el mismo todavía no aparece. Y entonces la obra transita un camino de autodescubrimiento porque no se puede llegar a ser tan inmenso como Sandro si primero no se sabe ser uno mismo. Copiar no sirve. Entre el Alan del primer cuadro y el del último hay un abismo; el derrotero es perfecto. Y en este camino ayudan en mixtura entre real y onírica, romántica y psicodélica, unos personajes que surgen tanto de espejos mágicos como de prolijas decisiones del productor de la ficción: un artista que ya es un Sandro evolucionado en cuerpo, alma y movimientos + la rubia y la morocha que son un potente reflejo de sus nenas +  un cuerpo de baile asombroso que son el marco perfecto para este megashow.

Alan es Alan Madanes en un trabajo espléndido de transformación, sutil y sentido. El Otro es Nacho Pérez Cortés, en esta ocasión convertido en un terremoto de energía y carisma. Esta dupla es tremenda y un verdadero lujo para la comedia musical tenerlos juntos en escena. Las voces femeninas son Sofía Val y Malena Rossi en destacadísimas interpretaciones.

“Sandro, el gran show” es un espectáculo inmenso desde todos los aspectos; por un lado es el megashow de luces, escenografía, imágenes y vestuarios que impacta y, por el otro, es la íntima historia del héroe en una búsqueda interna que conmueve. Imperdible y for export.

 

Duración: 95´.

 

FICHA ARTÍSTICA

Actúan

Alan Madanes – Nacho Pérez Cortés – Sofía Val – Malena Rossi

Camila barberis – Clari Bera – Gonzalo Gerber – Emi Martínez – Facundo Massuco – Rafael Muñiz – Lisa Queti – Nico Repetto – Nicolás Tadioli – Barbie Tallon – Giuli Tagliamonti – Lean Tobaresa – Pedro Vega – Magalí Dominique Zato – Natasha Zbuc

Dirección

Ana Sans – Julio Panno

 

Prensa

URBAN Grupo de Comunicación

 

 

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“Pretty Woman”, de Garry Marshal, J F Lawton, Bryan Adams y Jim Vallance. Dir. Ricky Pashkus

 

“Pretty Woman”, de Garry Marshal, J F Lawton, Bryan Adams y Jim  Vallance. Dir. Ricky Pashkus

En Teatro Astral (Avenida Corrientes 1639 – CABA) – de miércoles a domingos.

por Alberto Maffía

La traspolación del libro al cine siempre fue un tema de debate que en realidad nunca debió haber existido. Es imposible llevar una novela de mil páginas a la pantalla grande; en estos casos, lo único que hay que hacer es cuidar que la esencia del relato original impregne el nuevo formato y ya estamos. Mismo principio aplica para la adaptación del cine al teatro. "Pretty Woman" es una película de 1990 que, como las canciones de Luis Miguel, conocemos todos. Julia Roberts y Richard Gere. ¿Y nosotros salimos a escena con Florencia Peña y Juan Ingaramo?, ¿en serio? Sí, en serio. Y preparate para sorprenderte, porque esta adaptación es superadora del fílmico; tiene más romance, mucho más humor, buenos temas musicales y una pareja protagónica que es dinamita pura. Desde ahora y para siempre, Vivian y Edward son Peña e Ingaramo.

En mi podio de trabajos de Flor Peña siempre estuvo primera y en un nivel estelar e inalcanzable su "Sweet Charity" del 2006; hoy por hoy las cosas han cambiado. Su Vivian es potente y frágil; absolutamente conmovedora. En esta puesta, Peña arranca carcajadas, su canto emociona y su baile impacta - en realidad, como siempre lo hace, pero esta vez mucho más-. Juan Ingaramo es una gran revelación; su personaje está muy trabajado, cuenta con gran presencia escénica y muy buena voz. A pesar de ser su debut en el género, pareciera que lo hubiese transitado toda su vida. Los personajes secundarios y ensamble son un deslumbrante espectáculo aparte; todos protagonistas de los más rutilantes y exitosos musicales del 2024 (“Mamma Mía”, “Alice”, “Rufianes”, “La desgracia”, “Querido Evan”, “Forever Young”, “Rock of Ages” y “La caja mágica”, entre otros); aquí cantan y bailan en perfectos cuadros corales que son dignos del show más exquisito. La presencia de Alejandra Perlusky es tremenda, su voz es la perfección hecha comedia musical. Walter Canella tiene el tiempo suficiente como para desarrollar un interesantísimo arco de transformación en su personaje aprovechando cada segundo de sensibilidad y humor que se le presenta. Mariano Magnífico recrea un perfecto bufón brindando los momentos más hilarantes de la obra. La diva encarnada por Ro Noziglia impacta; cuando uno piensa que la puesta ya no tiene más recursos para asombrar, de pronto introduce a la perfecta Prima Donna de Noziglia cantando un aria de La Traviata.

Entre los puntos más fuertes del espectáculo se destacan sus coreografías. Excelente trabajo de Vero Pecollo y magistralmente ejecutado por el elenco. Los cuadros de baile en el hotel a cargo de los botones y una Vivian en perfecta clave de humor o el dinámico cuadro en el Voltaire recuerdan las exquisitas coreos de la época dorada de Hollywood.

Un detalle no menor: la obra se presenta en su versión íntegra (la de Broadway, Londres y Madrid); libre de los hachazos innecesarios que suelen darle las adaptaciones argentinas. ¡Gracias!

La visión de Ricky Pashkus como director general es excelente, consiguiendo que esta “Pretty Woman” sea, indudablemente, uno de los mejores musicales que hemos visto en estos últimos tiempos.

 

 

Duración: 130´.

 

FICHA ARTÍSTICA

Libro

Garry Marshall – J F Lawton

Música

Bryan Adamas – Jim Vallance

Actúan

Florencia Peña – Juan Ingaramo

Alejandra Perlusky – Mariano Condolucci – Walter Canella – Leo Bossio – Alfredo Staffolani – Mariano Marnífico – David Okada Caldas – Federico Llambi – Rocío Pardo – Nicolás Villalba – Flor Viterbo – Martu Loyato – Delfi García Escudero – Yarmín Corti – Pablo Juin – Evelyn Basile – Ro Noziglia – Mica Romano – Micaela Fusaro – Matías Prieto Peccia – Ernesto Tito Díaz – Lázaro Balista – Fede Rampello

Producción general

PARDO Producciones

Dirección

Ricky Paskus

 

Prensa

Tommy Paskus Agencia

 

 

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“Empalme Lobos”, de Miguel Montes. Dir. Andrés García Dietze y Silvina Bailo

 

“Empalme Lobos”, de Miguel Montes. Dir. Andrés García Dietze y Silvina Bailo

En Espacio Callejón (Humahuaca 3759 – CABA) – Sábados 22.00 hs.

por Alberto Maffía

            La sabiduría para crear lazos en la niñez y la adolescencia es admirable. Si te gusta jugar a la pelota o ver películas de terror u odiás matemática en la escuela…¡listo, ya está establecido el vínculo! El resto son detalles que no marcan diferencia a la hora de salir a bailar o juntarse a comer pizza. Amigos, tan simple como eso. Pero después se crece, se adultece, y todo cambia. ¿Qué pasa si en ese núcleo de iguales con el paso del tiempo se empiezan a notar las diferencias?, ¿y si aquella broma de juventud se instala en el hoy como un presente doloroso? “Empalme Lobos” es una muy sensible oferta teatral que nos interpela sobre los valores de la amistad.

            Tres amigos en mitad de sus vidas pedaleando por Cañuelas tratan de revivir el pasado intentando curar el presente; incierto es todavía el punto de llegada.

            La dramaturgia de Miguel Montes es poética y nostálgica, sin perjuicio de un dinamismo que intercala conflictos y entretiene. Interesante recurso plantea el autor en tres breves momentos oníricos que suman enormemente al desarrollo de los personajes.

            La química entre Claudio Amato, Federico Ibarra y el estupendo Darío Set, como los tres amigos con demasiado pasado compartido, es muy buena y trabajada con muchísima verdad. Muy bien construidos desde el texto, los tres componen fina y acertadamente criaturas diametralmente opuestas; es fácil imaginarlos en un baile en la adolescencia hace veinte años atrás pero hoy son totalmente incompatibles.

            Bravo por el diseño escenográfico de Federico Hurtado y Nora Monkman: sencillo pero muestra todo lo necesario; tal es así que la última foto antes del apagón final, si vamos al realismo estricto, es cemento puro por todos lados y yo, claramente y sin necesidad de imaginar nada, vi un plácido paisaje rural apuntalado por la serena mirada de la composición de Ibarra. También para el destaque, no se puede evitar mencionar el por qué del título y la bella analogía con el concepto de “estación de empalme”.

            Muy buena dirección de Andrés García Dietze y Silvina Bailo consiguiendo que los personajes atraviesen sueños, recuerdos y rencores al ritmo de un pedaleo dinámico que impregna de ritmo al relato.

            “Empalme Lobos” es una obra sensible y empática; deliciosa de ver.

                         

Duración: 65´.

 

FICHA ARTÍSTICA

Dramaturgia

Miguel Montes

Actúan

Claudio Amato – Federico Ibarra – Darío Set

Producción general

Punto Fijo Teatro

Dirección

Andrés García Ditze – Silvina Bailo

 

 

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“Silvia”, de Fran Ruiz Barlett. Dir. Lucía García Paredes

           “Silvia”, de Fran Ruiz Barlett. Dir. Lucía García Paredes

En El Método Kairós Teatro (El Salvador 4530 – CABA) – Domingos 20.00 hs.

por Alberto Maffía

Los solitarios siempre encontramos alguna justificación más o menos valedera para defender nuestro ostracismo; y cuanto más intelectual es el sujeto en soledad, más noble sonará su pensadísima excusa. Pensamos y pensamos y recontrapensamos, y la verdad deja de ser tan verdad y se convierte en pretexto. El silencio ahoga y perdemos la capacidad hasta para decir “hola”, y no por el saludo en sí sino porque hemos minado la habilidad de comunicarnos, hemos desatado vínculos. ¿Se está bien así?, ¿vale?, ¿sirve? Este parece ser el planteo que nos instala “Silvia”, la bellísima fábula teatral que se presenta los domingos a las 20.00 hs en “El Método Kairós”.

Un módem que falla. Una madre y un hijo que conviven en un espacio muy limitado evadiendo la emocionalidad que los reúne. Un empleado de Fibertel que irrumpe con su desfachatada forma de ser y su vínculo con el presente para poner en jaque esa realidad cristalizada.

            El texto de Fran Ruiz Barlett es acertadísimo en estructura, ritmo y sensibilidad. Diálogos muy bien pensados nos sirven para identificar tres personajes muy disímiles. Drama y humor atraviesan la obra animándose incluso a un mínimo pero justo toque (que no define pero suma mucho) de realismo mágico.

            Félix Walsh lleva su personaje con dulce verdad y melancólico silencio; su arco de transformación es genuino y doloroso. Leo Camo da cátedra: maneja simultáneamente tres o cuatro registros de los que entra y sale constantemente con absoluta comodidad. Ambos actores y personajes ensamblan a la perfección, tanto emocional como corporalmente; el primero, replegado en su propio abrazo, y el segundo, completamente físico y generoso en gestos y movimientos. Silvina Ambrosini se somete a una convincente teleterapia y es efectiva al momento del quiebre.

            La escenografía de Giuliano Benedetti, una vez más, es una exquisitez. Sobre una base cubista se delinea una suerte de tres islas espaciales que combinan lo delicado en tonos y lo rústico y realista en objetos.

            La dirección de Lucía García Paredes tiene el pulso idóneo para marcar esta puesta tan íntima, sensible y, a la vez, entretenida. La historia se cuenta perfectamente e incluye uno de los finales más bellos y poéticos que he visto en años; sorpresa y emoción llegan hasta el alma y conmueven.

            “Silvia” es un planazo de excelente teatro. Inolvidable.

             

Duración: 75´.

 

FICHA ARTÍSTICA

Libro

Fran Ruiz Barlett

Actúan

Leo Camo – Silvina Ambrosini – Felix Walsh

Producción general

El Método Kairós Teatro

Dirección

Lucía García Paredes

 

 

Alberto Maffía

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“Familia, sustantivo femenino”, de Lali Vidal y Fede Fedele.

 

“Familia, sustantivo femenino”, de Lali Vidal y Fede Fedele.

En Teatro Maipo (Esmeralda 443  – CABA) –  los jueves 21.00 y domingos 20.00.

por Alberto Maffía

 

Fiesta de mujeres

            Existen “familias” y “familias” (premio Nóbel a la literatura me van a dar por esta frase). Están las más cercanas a los Ingalls (que realmente existen, conozco un par, doy fe), y estamos los completamente identificados con “Familia, sustantivo femenino”: dulce montón de gente con un vínculo sanguíneo, capaz de escalar los montes más altos del egoísmo y de la cuchillada más trapera, como también de darte el abrazo más genuino o de acompañarte en ese momento que pensaste que estabas completamente solo.

            La obra transcurre la noche del 31 de diciembre, ese experimento social que nos gusta llamar “cena de año nuevo” (¿a quién se le ocurre que juntar a un grupo de entre diez y veinte personas con lazos de adn comunes durante toda una noche rebosante de alcohol es una buena idea?). Pero como en toda reunión familiar, las emociones están a flor de piel y las verdades no tardan en aparecer. Entre brindis, risas, enredos y reproches, cada una de las diez mujeres que acuden al festejo, intentará hacer valer su lugar mientras que la familia se pone a prueba una vez más.

            Un elenco muy talentoso cuenta todo lo que la obra tiene para decir. La Mónica de Denise Cotton es una tromba; su personaje avasalla y al mismo tiempo causa empatía / todos tenemos una “Mónica” en la familia a la cual odiamos un toquecito pero queremos mucho más. La composición de Marcelo Albamonte como la matriarca tóxica María es tremenda; sus sutilezas y cambios de registro para manipular, bullynear o victimear son exquisitos. Muy bien  la Katie de Lula Andrada, aportando humor con frescura en momentos clave. Y siempre es un placer ver a la enorme Agustina Vera, esta vez componiendo con su ángel habitual a una invitada extrafamiliar cercana al new age y que choca constantemente con los valores conservadores del clan.

            La banda en vivo es feroz y un lujo poder verla sobre el escenario y lookeada como vecinos del lugar. Muy buen trabajo también en la dirección vocal de Eugenia Gil Rodriguez; los temas, en su mayoría corales, ensamblan a la perfección.

            La escenografía es de lujo y habita perfecta y orgánicamente las tablas del Maipo. Muy buen trabajo de Giuliano Benedetti; en cuanto entrás a la sala, la misma te recibe a telón abierto e impacta.

            Lali Vidal y Fede Fedele escriben, dirigen, te ponen las luces… ¡hacen de todo! Son una máquina admirable y grandes hacedores de arte. Bravo.

            “Familia, sustantivo femenino” es un simpatiquísimo musical del cual el espectador forma parte porque, en mayor o menor medida, alguna que otra vez, todos estuvimos ahí.  

           

Duración: 80´

 

 

FICHA TÉCNICA / ARTÍSTICA

 

Elenco:

Denise Cotton, Marcelo Albamonte, Laura Montini, Silvana Tomé, Estefania Alati, Florencia Róvere, Agustina Vera, Juana Cardozo, Camila Ballarini, Lula Andrada, Lu Hayes, Lucía Berraud

 

Músicos:

Agustin Konsol, Malvina Borges, Franco De Paoli, Milagros Blanco

 

Libro:

Lali Vidal y Fede Fedele

 

Letras de canciones:

Silvana Tomé

 

Música original:

Agustín Konsol

 

Dirección General:

Lali Vidal y Fede Fedele

 

Dirección de Coreografía:

Fede Fedele

 

Diseño de luces:

Lali Vidal y Fede Fedele

 

Dirección vocal y arreglos vocales originales:

Eugenia Gil Rodríguez

 

Arreglos musicales:

Leandro Biera

 

Escenografía:

Giuliano Benedetti

 

Vestuario:

Mari Torres

 

Producción General:

Tana

 

 

Prensa

Alejandro Veroutis

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“Un viaje en el tiempo”, de Pedro Alfonso y Mechi Bove. Dir. Diego Ramos.

 

“Un viaje en el tiempo”, de Pedro Alfonso y Mechi Bove. Dir. Diego Ramos.

En Teatro Astral (Avenida Corrientes 1639  – CABA) –  de jueves a domingos.

por Alberto Maffía

 

Risa genuina

            El teatro de plaza veraniega es un género en sí mismo. No es lo mismo llevar a la costa “Extraña pareja” de Neil Simon a que algún dramaturgo vernáculo conocedor del género escriba “Una loca pareja suelta en la Bristol”. Para crear un espectáculo entretenido y para todo público con bromas algo subiditas pero camufladas, es necesario tener muy en claro quiénes y a quién… y la lectura que hace Pedro Alfonso de su elenco y su público es inteligentísima, funcional y artísticamente magnífica. “Un viaje en el tiempo” es un diez en todo por donde se la mire.

            El casting es perfecto, todos hacen lo que mejor saben hacer y redoblan la apuesta con varias sorpresas. Paula Chaves compone al inicio un personaje impensado y arriesgado y lo hace muy bien. Lo mismo Noelia Marzol con su tromba de alegría y baile. Sebastián Almada y Pachu Peña siempre nos hicieron reír desde la televisión con personajes más cercanos a la improvisación, pero acá se revelan como verdaderos comediantes de tablas, muy prolijos y con un timming perfecto para el humor. Viviana Saccone está impagable luciendo un par de registros interesantísimos; esta señora actriz todo terreno te hace un Tennessee Williams o un Pedro Alfonso con el mismo profesionalismo, y hasta tal vez la Malenka de esta obra sea más complicada que la Stella Kowalski, todos sabemos lo difícil que es hacer reír. Y Pedro Alfonso (primera vez que lo veo en teatro) apuesta a la picardía, el humor físico y la ternura con suma eficacia; mucha energía y comprometida entrega.

            La escenografía de Lucila Rojo está imaginada en tres planos diferentes muy interesantes, y la realización de A&B es prácticamente imponente. Muy bien también el diseño de vestuario ochentoso de María Vilariño y Lucía Lons. Importante inversión de “La Puerta Contenidos” eligiendo deslumbrar a una platea agradecida por la estética.

            Excelente trabajo de Diego Ramos en dirección; su puesta tiene ritmo constante, efectivo tono de comedia y toques sensibles que emocionan.

            Gratísima experiencia en mi primera incursión en la factoría Corbo-Hoppe-Alfonso; desde que empezó la obra no hice más que reír y sonreír. Bravo.

        

           

Duración: 90´ de obra + 30´ de fiesta y concursos.

 

 

FICHA ARTÍSTICA

Texto

Pedro Alfonso y Mechi Bove

 

Elenco

Pedro Alfonso – Paula Chaves – Viviana Saccone – Sebastián Almada –Noelia Marzol – Pachu Peña

 

Producción General

Ezequiel Corbo - Federico Hoppe

Dirección

Diego Ramos

 

 

Prensa

AGENCIA AB – Alejandra Benevento

 

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“El hambre, crónicas de una compañía trágica”, de Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano.

 

“El hambre, crónicas de una compañía trágica”, de Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano.

En Ítaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027 – CABA) – Jueves 21.30 hs.

por Alberto Maffía

 

Teatro como en el teatro.

 

            El teatro, ya de por sí, es un hecho artístico sublime y conmovedor. Ahora, cuando el teatro habla del teatro en un metadrama musical, la magia se potencia al doble. Y si encima los creadores de la puesta son los probadísimos Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano (El funeral de los objetos), la emoción, la risa y la reflexión se multiplica por mil.

            Una compañía itinerante de actores en un futuro distópico - o podría ser hoy o tal vez apenas ayer - recorre un territorio indeterminado en busca de una oportunidad. Todos los hambres posibles los atraviesan, y las salidas individuales los confunden cada vez más y parecen no alcanzar.

            El texto te llega por todos lados; conmueve y entretiene desde el grotesco y la parodia y al mismo tiempo arranca carcajadas, y cuando terminás de reírte te das cuenta que en realidad estabas reflexionando sobre cuál es el camino que finalmente vale la pena seguir. Y de golpe y porrazo, en medio de la búsqueda, estás emocionado hasta las lágrimas.

            El elenco pone cuerpo, alma y vida; una tromba de talento, ocho hacedores de arte. Malena Luchetti es hipnótica, pura potencia. Marian Morelli se adueña de cada espacio que transita actoralmente, y no solo muestra sus perfiles, sino también el riquísimo mundo interior de su personaje, en un adentro sensible y un afuera enérgico. Los ocho manejan muy bien la voz y su proyección es perfecta, detalle no menor en un musical con textos de dicción casi clásico.

            Párrafo aparte merece el Maestro Ernesto Biassotti al piano constante sobre el escenario, sonando de punta a punta de la obra; ya sea con un tema principal o con música incidental. Un lujo.

            La estética visual de Manasseri/Provenzano es muy particular y casi marca registrada; algo así como una mezcla entre el gótico y el barroco sumado a un sumo cuidado por los objetos y elementos de utilería - cuando vas a ver El funeral… es todo tan bello y adecuado en color y medida que no sabés para dónde mirar -. Acá sucede exactamente lo mismo; perfecto y significativo vestuario, y los pocos elementos que hay son todas exquisiteces dignas de las más clásicas boutiques santelmeñas.

            “El hambre, crónicas de una compañía trágica” es una belleza por donde se la mire; un trabajo superador de la excelente obra conjunta de Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano, lo que no es poco decir.  

           

Duración: 55´.

 

 

FICHA ARTÍSTICA

Libro – Idea original

Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano
Música original

Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano
Elenco

Belén Frontera, Cinthia Colasurdo, Leila Assad, Malena Luchetti, Marian Morelli, Nadia Zajic, Verónica Belén Rodriguez, Zoe Verbena, Gonzalo Rivarola
Músico en vivo

Ernesto Biasotti
Asistente general

Milagros Craparo
Diseño de escenografía

PHEPANDÚ
Diseño de vestuario

La costurera Teatro
Diseño gráfico

Mariano Morelli
Dirección de actores, puesta en escena y dirección general

Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano
Prensa

Pablito Lancone
Producción Artística

PHEPANDÚ
Producción Ejecutiva

EL HAMBRE

 

Alberto Maffía

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