“Footloose”, de Dean Pitchford, Walter Bobbie y Tom Snow

 “Footloose”, de Dean Pitchford, Walter Bobbie y Tom Snow

En Teatro del Globo (M. T. de Alvear 1155 – CABA), los martes a las 20:00.

Un joven que a pesar de tener muchos problemas no para de bailar

            “Footloose” (1984) es una película musical clásica de fuerte tono dramático y muchos números coreográficos; casi todos bailan pero nadie canta. La puesta teatral que se puede ver por estos días en Argentina es muy superadora; a todos los aciertos de aquella versión se le suma mucho humor y protagonistas que ahora también cantan (y lo hacen como los dioses).

            Cuando Ren y su madre se mudan de la gran ciudad de Chicago al pequeño pueblo agrícola de Bomont, Ren se siente preparado para adaptarse a su nuevo hogar, pero para lo que no parece estar tan preparado es para las leyes locales, que incluyen la prohibición de su distracción favorita: el baile. El Reverendo Shaw Moore, propulsor de estas leyes, se ha impuesto la tarea de controlar a los jóvenes del pueblo. Cuando Ariel, la rebelde hija del reverendo, parece ceder a los encantos de Ren, su novio se propone sabotear la reputación del joven y consigue poner al pueblo en su contra. Ren, apoyado por sus amigos, luchará por organizar un baile de fin de curso... rodeado de dificultades, pero también de diversión y romance.

            El Footloose del Teatro del Globo tiene tantos aciertos que no sé por dónde empezar. La escenografía sorprende; en escena brillan una iglesia, un merendero, una estación de servicio, patios, puentes y bares. A lo austero que suelen ser las puestas musicales, inclusive las de calle Corrientes, esta es una perlita importante; lo mismo que el pequeño lujo de tener banda en vivo.

            El protagonista, Pablo Turturiello, es un verdadero hallazgo. Su Ren es impecable. Simpatía y carisma, dueño de una voz melodiosa y potente, y de pasos enérgicos y arrolladores que realmente gastan el escenario con su footloose; da la sensación que este chico nació bailando. El “team padres” no tiene fisura; ya canten solos o en duetos, Chechu Vargas, Mariano Depiaggi y Lorena García Pacheco brillan en cada tema, y todo esto apuntalado con sólidas actuaciones. Ariel y sus amigas, interpretadas por Sol Bardi, Jimena Maiorano, Vicky Goldstein y Estefi Alati funcionan como un colectivo perfecto; hacen reír, emocionan y realmente la descosen cuando interpretan el megahit “Yo quiero un héroe”. A Nahuel Quimey lo vemos talentoso y efectivo como siempre, su chico campestre es hilarante y querible. Y también hay que decir que la obra cuenta con un ensamble que deja todo; seguramente a fin de temporada haya que levantar unos centímetros el piso del escenario Del Globo por cómo lo patea esta gente, siempre sonrientes, siempre al compás.

            El equipo creativo nos vuelve a deslumbrar como lo hizo en In The Heights (Premios Hugo 2016 al mejor musical off, mejor director off y revelación masculina): las coreografías de Marina Paiz son animadas y complejas e incluso, al final de la obra, invitan a bailar en la butaca. Muy bien la dirección musical y el sonido, a cargo de Elías Cafiero. Y todo este talento de artistas y creativos rigurosamente ensamblado por la profesional mano de su director general Gabriel López, CEO y fundador de la productora Covershow.

            Ver “Footloose” es estar en un pequeño Broadway pero ubicado en la calle Marcelo T. de Alvear de Buenos Aires. Un placer ver tanto talento, vale la pena.

Ficha artística:

Libro: Dean Pitchford y Walter Bobbie

Música y letras: Tom Snow y Dean Pitchford

Elenco: Pablo Turturiello, Chechu Vargas, Mariano Depiaggi, Lorena García Pacheco, Sol Bardi, Flow Gateño, Mauricio Castro, Pablo Silva, Agustina Vallarino, Andrés Hirsch, Jime Maiorano, Vicky Goldstein, Estefi Alati, Nahuel, Quimey, Federico Rampello, Fede Fedele, Pedro Vega, Emmanuel Degracia, Mati Martínez, Barbie Tallon, Rocío Plaza, Daiana Núñez, Giuliana Rímini, Marián Vázquez, Ivana Pintos y Ayelén Sosa.

Coreografías: Marina Paiz

Dirección musical: Elías Cafiero

Traducción y adaptación: Lucía Mutio

Producción: Covershow Producciones

Dirección: Gabriel López

 

Alberto Maffía,

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"Pareidolia, la forma de los sueños", de Javier Naudeau

 “Pareidolia, la forma de los sueños”, de Javier Naudeau

En El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034 – CABA) – Domingos a las 20:00.

 

Cuando los sueños se cumplen, cuando no, y cuando parece que sí pero no.

            Todos sabemos que los sueños complejos son de difícil concreción; viajar a la luna, ser presidente, lograr la juventud eterna. Ojo que igual no es imposible; alguno ya ha pisado el espacio, todos los países tienen un presidente. Y Nacha Guevara. Pero bueno, parece ser sólo el destino de unos pocos elegidos. Ahora la pregunta del millón es: se entiende la dificultad de los primeros, pero ¿por qué se vuelve tan complicado alcanzar el sueño de formar parte de una familia, de no estar tan solo o de hacer un viaje? “Pareidolia, la forma de los sueños” intenta responder estos interrogantes y algunos más, todos simples y dolorosamente inalcanzables. Y en serio, gente… ¿por qué se ha vuelto tan épicamente imposible que alguien te alcance amorosamente una taza de café mientras jugás en la computadora?

Un sueño en común entre Willy y Luciano los lleva a una idea que puede ser perfecta o peligrosa. Pero el plan se frustra cuando el secreto de Nerea, la hermana menor de Luciano, se descubre. Mientras un futuro soñado se desvanece, en paralelo, otro surge como la única posibilidad verdadera. Una madre a quien le angustian las respuestas, un padre desdibujado en el tiempo, dos hijos adolescentes con apariencia inocente y un amigo del que poco se sabe, forman un cotidiano atravesado por la ilusión, el amor y el riesgo de perder lo irrecuperable. 

            El texto es bellamente cotidiano; imposible no sentir empatía por alguna de las situaciones planteadas o no reconocerse en algún silencio, desilusión o dolor. Los cinco actores interpretan con verdad el libro de Javier Naudeau destacándose, tanto por personajes como por actuaciones, el trabajo de los jóvenes Juan Manuel Artaza, Juan Cottet y Violeta Postolski. A ellos les cabe la responsabilidad de los primeros sueños y la lucha por llevarlos a cabo. Este trío funciona perfecto en sus relaciones e interpretaciones, son sensibles, pasionales y carismáticos; verlos en escena se disfruta de punta a punta. Los padres, jugados por Heidi Fauth y Claudio Amato, se suman a esta dinámica logrando, entre otras, una memorable escena en la cual, durante una cena familiar, el invitado agradece y pide un abrazo. Hermosa perlita dramatúrgica e interpretativa.

            La escenografía es atrayente, compuesta por una sumatoria de estructuras metálicas, y de colores grises y blancos con perfectas simetrías. Todo es muy sobrio y hasta frío y distante. Imposible que los personajes puedan soñar allí, es casi una cárcel. Muy bien; buen trabajo de Alicia Leloutre y José Escobar.

            El espectáculo es muy bueno; interesante visión de Javier Naudeau no sólo como dramaturgo sino también como director. Su propuesta sobre sentimientos y realidades que no son pero que se finge que sí es originalísima, tanto como el título de su obra.

            “Pareidolia” es una buena cita con el teatro. Muy recomendable.

 

Dramaturgia: Javier Naudeau

Elenco: Juan Manuel Artaza, Juan Cottet, Violeta Postolski, Heidi Fauth y Claudio Amato.

Dirección: Javier Naudeau

 

Duración: 65 minutos

 

         Alberto Maffía,

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"El almacén del fin del mundo", de Martín Henderson

Obra: “El almacén del fin del mundo”, de Martín Henderson

Teatro “El Extranjero” (Valentín Gómez 3378 – CABA) - VIERNES 20:00 hs.

            El género de ciencia ficción en su variante distópica fue siempre una temática abordada exclusivamente por la literatura y el cine. Así, durante el siglo pasado leíamos “Crónicas marcianas” de Ray Bradbury o veíamos “Cuando el destino nos alcance / Soylent Green” protagonizada por Charlton Heston y Chuck Connors. El tema es que el destino realmente nos alcanzó, a los argentinos y al mundo entero, y mucho de lo apesadillado antaño se ha vuelto realidad. “El almacén del fin del mundo” se hace cargo de esta nueva realidad y la dibuja a pura magia y talento.

            En una ciudad arrasada por una epidemia, nuestros protagonistas se reúnen en uno de los pocos sitios que aún quedan en pie, un exclusivo restaurant-bunker, donde se está permitido acceder al privilegio más escaso y codiciado por la humanidad, el encuentro con el otro. Allí, ellos darán rienda no tan suelta, a sus más mundanos placeres: comer, beber, cantar y bailar. Por supuesto que todo bajo estrictas normativas a cumplir y ante la mirada inquisidora de un implacable camarero.

            La escenografía de Christian Gadea y Martín Henderson es exquisita. Casi minimalista y simbólica, refleja por un lado la austeridad de un mundo solitario arrasado por una epidemia y, por el otro, el glamour rojizo de un bunker muy exclusivo. La mesa-puerta de un Kowalski antiguo es encantadora.

            El texto de Henderson es admirable. Inteligentísimo, dinámico y hasta conmovedor; parodia respetuosa del presente que hace reír con ganas. Y en serio que no paré de reírme toda la obra. Da gusto escuchar esos parlamentos tan medidos y construidos con un gran sentido de la métrica y el vocabulario. Música en prosa.

            El trío protagónico es perfecto. Dolores Ocampo es una diva. Verla entrar con su piloto dorado ya deja sin aliento. Y encima canta. Y en francés. El derrotero de su personaje es sutil e intenso, lleno de aristas y matices, y ella sabe recrearlo de manera potente y verosímil. Leonardo Saggese y Martín Henderson juegan una suerte de protagonista/antagonista hilarante en un duelo casi constante; sus trabajos son impecables. El primero es un buenazo romanticón y adorable, el segundo un anfitrión cínico casi perverso.

            Y como si todo esto fuese poco, la puesta se guarda una perlita más: también tenemos un cuadro de baile coreografiado por el talentosísimo Diego Bros que los protagonistas ejecutan con gracia y precisión, logrando otro momento inolvidable más en esta obra que es un cúmulo de aciertos.

            “El almacén del fin del mundo” es un lujo del off. Imperdible. ¡Chin chin sanitizado!

 

Texto: Martín Henderson

Elenco: Dolores Ocampo, Leonardo Saggese, Martín Henderson.

Dirección: Martín Henderson

 

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"El dogma", de Daniel Teveles

 Obra: “El dogma”, de Daniel Teveles

                        Las piezas teatrales suelen tener su gran tema principal y alguno secundario dando vueltas por ahí. Algo parecido sucede en “El dogma”, con la diferencia de que las temáticas secundarias se cuentan tan bien y son tan fuertes que casi llegan a tener su protagonismo propio. Mil cosas pasan en “El dogma”, y todo es muy intenso.

            Yanke vive con su familia en un piso en el centro de Buenos Aires durante los años de la Semana Trágica. Llegado de Polonia hace veinte años, administra desde entonces un prostíbulo en el subsuelo de su casa. En el piso de arriba vive con su mujer, una ex prostituta que “subió” del subsuelo al casarse con él, y la hija de ambos, Rivkele, a quien Yankel Chapchovich se ha esforzado por mantener al margen de lo que pasa “abajo” ya que está preocupado porque pueda llegar a terminar siendo como lo fue su madre en su momento. Yankel celebra la eficacia de cómo ha salvado a su hija del “barro”, “santificando” su casa del pecado con la adquisición de la sagrada Torá (libro sagrado judío) que ofrece en agradecimiento a Dios y como redención. La incursión de Rivkele en el “mundo de abajo” desatará las tormentas cuando esta quede perdidamente enamorada de Manke, una joven pupila de Yankel Chapchovich.

            Once actores se lucen en escena, y no es una frase hecha, realmente lo hacen. El trabajo de Charley Rappaport es impactante, compone a su Yanke dotándolo de fuerza, crueldad, un espantoso amor y un sutil temor oculto. Gaby Barrios se luce como Sara, una esposa y madre muy lejana a la que se suele ver; todo es creíble, todo es cuestionable. Las chicas del burdel son un multiuso perfecto: hacen reír, cantan, bailan, sufren, lloran y conmueven; muy buenos trabajos de Marian Hansen, Carolina Arellano y Andrea Boass.

            El texto deja sin aliento; Polonia zarista de principios del siglo XX, Semana Trágica en la Argentina de 1919, tráfico de migrantes, venta de mujeres, corrupción, crisis religiosa, violencia de género, matrimonios arreglados, despertar sexual y siempre la esperanza del amor.

            Un párrafo aparte merecen la escenografía y el vestuario; cuántas horas se habrán pasado en el Mercado de Pulgas y San Telmo buscando esos objetos y ropas dignos de museo. Las enaguas y encajes de las mujeres del burdel, sus collares. Los manteles y candelabros, los portarretratos. La vasija y palangana de porcelana. Hasta una desgastada valija. Hermoso.

            Es muy interesante, dentro de la puesta, cómo se diferencia el arriba y el abajo con la utilización de una tarima. En un principio, en la parte superior habitan el orden, la fe y la pureza; abajo vale el sexo por dinero, las coimas y la violencia. Por ambos espacios se intenta la dulzura y el romance. Muy buen ojo de Daniel Teveles, encargado de la puesta escena, diseño escenográfico, texto y dirección; su trabajo ha sido minucioso y exquisito.

            “El dogma” es una obra potente, vale la pena ir a verla.

En Teatro CPM Multiescena - Avenida Corrientes 1764 -CABA

Jueves 20:30

Duración: 90 minutos

Texto: Daniel Teveles

Elenco: Gaby Barrios – Charley Rappaport – Marta Quarleri, Ximena Di Toro – María Ventura – Mauricio Sajera – Marian Hansen – Federico Andrés – Carlos Benincasa – Carolina Arellano – Andrea Boass

Prensa: Duche&Zárate.

Dirección: Daniel Teveles

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"Una historia larga", de Juan Catriel Mirabelli

 Obra: “Una historia larga”, de Juan Catriel Mirabelli

                        “Reunión por el aniversario de X años de egresados del Colegio bla, bla, blá”… qué momento espantoso en la vida de todo ser humano. Únicamente disfrutado por los dos o tres emocionados de la vida que lo organizaron, para el resto de los concurrentes es un evento que genera dolor de estómago desde el momento que se anuncia hasta que culmina. “Una historia larga” desnuda y expone el concepto de esta vieja costumbre tribal, la analiza y, por suerte, conmueve y hace reír mucho al espectador.

                Un grupo de amigos decide ir a la fiesta que se organiza en su escuela por los diez años de egresados. A partir de ese momento comenzarán a recordar sus clases, lo que querían ser, y verán lo que ahora son. No todo era tan bueno cuando eran chicos, ni es tan malo de grandes.             

            El título de la obra es brillante; simple pero clarísimo. La historia es larga, abarca desde unos ingenuos noventa con niños de tercer grado hasta aproximadamente el 2030, época en la que el autor imaginó que los robots piden derecho de identidad y nos llegan notificaciones mentales cual whatsapp telequinético. De tan económico y claro, resulta poético.

El texto de Juan Catriel Mirabelli está muy bien estructurado en diversos estilos que logra ensamblar orgánicamente; hay momento de monólogo y stand-up, apelaciones al público, teatro clásico, un poco de vanguardia jugado con pantallas digitales, y hasta unos cuadros de comedia musical muy palitorteguense. Además, va y viene en el tiempo; la historia larga se cuenta de manera atemporal, yendo y viniendo como en un capítulo de Lost.

            El casting es muy bueno y genuinamente nos cuenta la historia de estos cuatro amigos a lo largo de décadas, siempre acompañados por la figura del maestro León, un excelente Ernesto Vigetti, maestro revolucionario romántico y patético. Mercedes Dominguez y Micaela Cortina crean sus Fabiana y Ana llenas de matices; sus pasos temporales están milimétricamente marcados y muestran sutiles cambios a través de los diferentes momentos que les toca interpretar. Francisco Caiella y Gabriel Miner son esa dupla de amigos con la que todos empatizamos, y lo hacen muy bien.

            Creo que uno de los fuertes de la puesta son los detalles; pequeños pero exquisitos, y todos funcionan bien: ya sean las luces del boliche o el reflector directo sobre el protagonista en catarsis, las pantallas, y hasta los objetos escenográficos, como el pizarrón de izquierda y a la izquierda que nos enseña en letra de tiza que Karl Marx es bueno y Adam Smith es malo, o los sorbetes con formas de corazón. Y es un lujo poco frecuente en una puesta off la presencia de músicos en vivo. Muy bien por la dirección general de Mirabelli.

            Definitivamente, recomiendo esta reunión de egresados. La van a pasar muy bien.

Texto: Juan Catriel Mirabelli

Elenco: Juan Francisco Caiella, Micaela Cortina, Mercedes Domínguez, Gabriel Miner, Ernesto Vigetti

Músicos: Tomás Ambrosino, Franco Mirabelli

Producción: Jesica Manes, Gabriel Miner, Juan Catriel Mirabelli, Lirolay Nuciforo

Dirección: Juan Catriel Mirabelli

 

         Alberto Maffía,

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"El funeral de los objetos", de Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano

 Obra: “El funeral de los objetos”, de Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano

 

CALIFICACIÓN: MUY MUY BUENA

Libro: Nicolás Manasseri, María Fernanda Provenzano

Actúan: Martina Alonso, Nico Cucaro, Rafael Escalante, Eugenia Fernandez,  María Fernanda Provenzano, Ignacio Zabala, Matias Zajic

Músicos: Facundo Cicciu, Nahuel Tamargo

Diseño de vestuario: La Costurera Teatro

Diseño de escenografía: Phepandu

Música original: Nicolás Manasseri, María Fernanda Provenzano

Producción general: Phepandu

Coreografía: María Fernanda Provenzano

Puesta en escena: Nicolas Manasseri

Dirección musical: Nahuel Tamargo

Dirección de actores: Nicolás Manasseri

Dirección general: Nicolás Manasseri

Sala: “El Método Kairós”, El Salvador 4530 – CABA. Los jueves a las 21:00.

Duración: 90 minutos

 

            Nosotros y los objetos… qué relación difícil. Al ingresar a la sala de El Método Kairós me senté en fila uno, saqué mi block de notas y enseguida hice un paneo por el escenario. En cuestión de segundos tenía el corazón estrujado y atravesado por la nostalgia; uno de los elementos de la escenografía era una copia del “David Copperfield” de Editorial Iridium, texto que supo habitar mi biblioteca a fines de los setenta y que me reclamaba a grito silencioso… “¿Por qué ya no me tenés?, ¿Por qué ya no existo en tu vida?”. Me lamenté, extrañé, microsufrí por el libro desposeído y, sin saberlo, empecé a formar parte de la originalísima trama de “El funeral de los objetos”.

            La obra. Un grupo de personas bastante particulares y desconocidas entre sí, se dan cita para formar parte de un funeral extraño luego de ver el anuncio en un folleto del subte.

            El buen teatro conmueve, transforma… “El funeral de los objetos” te arrasa. Su texto indaga y confronta al espectador con miedos y frustraciones conocidas por todos; lo hace de manera inteligente y, por suerte, con mucho humor. El espectáculo está tan bien estructurado que realmente consigue que todos los elementos, canciones, coreografías, luces, y sus excelentes escenografía y vestuario, conformen una sólida unidad narrativa. Bravo, excelente dirección general de Nicolás Manasseri.

            Las actuaciones son perfectas; los actores y actrices sostienen un nivel interpretativo de excelencia en un registro muy cercano al grotesco y que en ellos se ve natural y orgánico. Cada gesto, cada movimiento, cada entonación es un lujo actoral.

            La puesta en general es parejísima desde lo superlativo y, cuando parece que ya se ha alcanzado el punto máximo, ¿podés creer que la obra va y mete un hitazo? “Fueron ocho meses de amor” es el tema que te sacude, emociona y te vas cantando de la sala.

            “El funeral de los objetos” es una joya del off. Imperdible.

         Alberto Maffía,

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"Barrio La Mosca", de Marisa Manoukian

 Obra: “Barrio La Mosca”, de Marisa Manoukian

Calificación: MUY BUENA

Libro, música y dirección musical: Marisa Manoukian

Elenco: Carmela Barsamian, Esteban Fiocca, Flor Regina/Sofía Daer, Analía Riamonde y Jazmín Rodriguez.

Músicos: Ernesto Biasoti, Micaela González Mazlemian, Valeria Rossetti, Vartan Stepanian.

Escenografía: Natasha Eoglic

Vestuario: Lara Blisniuk

Prensa: Maxi Cardaci

Dirección: Estela Cristiani

Sala: “Teatro MULTIESCENA”, Av. Corrientes 1764 – CABA.

Duración: 70 minutos

 

            Si bien el inicio de la comedia musical nos refería a situaciones amorosas y alegres, la evolución en teatro musical coloca a estas piezas en situaciones más comprometidas. “Barrio La Mosca” se anima a musicalizar la denuncia, el dolor y el silencio cómplice, y lo hace muy bien.

            La obra se sitúa en el barrio La Mosca de Avellaneda en los años setenta. Amanda y sus hijas, Eli y Ale, se ven forzadas a compartir cada movimiento vital con Zita (cuñada de Amanda) y con todos los parientes de Miguel (esposo de Amanda y padre de las chicas), viviendo en una casa donde la humedad y el desborde de cloacas hacen estragos tanto en la casa como en las personas que la habitan. Hasta que un día la última gota de invasión desata un desastre familiar.

El texto de Marisa Manoukian es áspero. Bajo la dura premisa familiar de “sostener, aguantar y seguir”, los protagonistas callan, niegan y soportan el horror durante años. Pero la podredumbre está llegando desde las cloacas, y ya no se puede más. Y no poder más en los setenta era realmente complicado.

            De todas maneras, en medio del dolor, la música y sus letras se las arreglan para ser más que bellas. Todo gusta desde la primera canción y al cuarto tema el espectador ya está completamente hechizado. Los músicos en vivo son un pequeño lujo que suena muy bien y las voces de Analía Riamonde, Sofía Daer, Carmela Barsamian y Jazmín Rodriguez, con muy marcados y encantadores diferentes tonos y matices, son realmente soñadas. Las actuaciones son buenas en el texto y adquieren su dimensión más dramática en sus solos musicales; Barsamian te atraviesa el alma con su angustia y Riamonde te conmueve con su dolor de madre. Musicalmente, esta obra es un diez.

            Correcto y melancólico vestuario setentoso y un par de teléfonos de Entel terminan de configurar efectivamente una década. Muy interesante distribución del espacio y creación de diferentes ambientes en escena.

            “Barrio La Mosca” es un bello y doloroso musical muy bien contado.

       

 Alberto Maffía,

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